Dix-neuf artisanes, dix-neuf métiers, dix-neuf ateliers. L'écrivain Blaise Hofmann et le photographe Vincent Guignet partent à la rencontre de femmes de Suisse romande qui exercent un métier que l'on dit souvent « d'homme » : elles sont forgeronne, souffleuse de verre, sellière, courtepointière, luthière, factrice d'orgues... Ce qui relie ces artisanes, c'est un bonheur du geste, de l'instant présent, de la création quotidienne, dans le sillage d'une tradition parfois millénaire. En ouvrant leur porte à Blaise Hofmann et Vincent Guignet, ces dix-neuf femmes nous font découvrir leur univers, et nous offrent une forme de résistance face au rythme effréné du monde.

Photographies de Robert Doisneau

Courir après la pluie rassemble les photographies de Magali Koenig réalisées entre 1988 et 2017 au cours de treize voyages en Russie. Séduite par la découverte de Moscou et l'esprit du peuple russe, la photographe suisse part sur les traces d'Anton Tchekhov ou à la recherche d'un décor d'Andreï Tarkovski. Elle s'imprègne de la beauté des lieux, bercée par la lenteur des anciens pétroliers qui naviguent sur la Lena. Elle embarque à Oust-Kout et descend le fleuve jusqu'à Yakoutsk. De ses voyages, elle rapporte des images qui évoquent la beauté d'un presque rien, l'attente avant la fête, le souvenir d'une rencontre.

En écho, l'écrivain Blaise Hofmann illustre en vingt-cinq poèmes un périple en Russie effectué en 2002. Ses mots dialoguent avec les photographies de Magali Koenig ; ils restituent le peu que l'on se sent être l'autre bout du monde, les surprises au contact d'une autre culture, à quel point le partage de pirojkis et d'une vodka unit.

Deux façons de sentir le temps s'"tirer dans l'immensité russe. Lire la suite Fermer

Citée comme la première société photographique de province en ce début du XXe siècle, la Société lorraine de photographie et de cinématographie créée en 1894 se hisse très rapidement sur les devants de la scène nationale et au-delà. Au coeur d'une société en pleine mutation, la photographie se démocratise pour tomber entre les mains d'amateurs éclairés. Des sociétés savantes forment peu à peu un large réseau national et international. Elles correspondent entre elles et favorisent un climat d'émulation et de progrès. Médecins, avocats, hommes politiques, religieux, aristocrates, scientifiques, artistes, ou encore industriels se réunissent autour de cette technique en plein essor. Ils partent en excursion et capturent un monde où les avancées techniques côtoient les pratiques ancestrales et où la modernité s'immisce au sein de la tradition. Après-guerre, c'est au tour du cinéma de faire vivre ces sociétés en perte de vitesse. Association oeuvrant à la sauvegarde de l'image patrimoniale, Image'Est, riche de plus d'1 million de photographies et 15 000 films, a décidé de rendre hommage à cette Société lorraine de photographie et de cinématographie au travers d'une exposition au Musée des Beaux-arts de Nancy. Ce catalogue est pensé à la fois comme une trace de l'exposition rassemblant les plus belles oeuvres, mais également comme un espace à part entière construit autour d'images exclusives, d'articles inédits et d'entretiens poignants. Lire la suite Fermer

Après « Gueules de Toreros » Blaise Volckaert pour la photographie et Jacques Durand pour le texte continuent de scruter et d'interroger le monde fascinant des toreros à travers son intimité, sa pratique, ses personnages, ses attitudes, ses moments forts, ses instants fugaces, ses histoires, les gestes qui en disent la singularité. C'est une exploration. Elle avance avec ce double regard complémentaire des images et des mots. Elle a pris pour titre « Tabaco y Oro ». Tabac et or est la couleur de costumes de lumières considérée comme la plus authentique, la plus porteuse des valeurs taurines. Valeurs qu'incarnait l'extravagant matador mexicain El Pana, mis en hommage en couverture, tué par un toro en 2016, et qui pouvait fumer le cigare en piste.
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Le Léman est au-delà des mots. Lago di Losanna, Genfersee, Lac Léman, Lake of Geneva : le nommer, c'est vouloir le posséder et c'est déjà le trahir. Il faut laisser parler les images.S'ils photographient le plus souvent des sujets bien différents, Claude Dussez et Vincent Guignet ont une même inclination pour les démarches légèrement décalées. Ce goût commun leur permet de raconter des histoires nouvelles sur des lieux connus de tous.
L'envie de travailler à deux s'est imposée, tant leurs regards sont complices et complémentaires. Le Léman leur est apparu comme une évidence car il rassemble autant de lieux emblématiques que de personnages truculents.Ils ont choisi de se laisser porter par les contours de ce lac, de rebondir de rencontre en découverte, pour cerner les endroits et les gens qui rendent ce lieu hautement symbolique.
Leur travail photographique joue du champ-contrechamp aussi bien que des visions parallèles. Il est relevé de textes de l'écrivain Blaise Hofmann, qui ponctuent avec malice et poésie cette fresque lémanique inédite.
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Frans Pourbus le Jeune, Flamand naturalisé Français à la fin de sa vie et dernier d'une dynastie de peintres, fut le plus réputé des portraitistes des princes au début du XVIIe siècle. En France, c'est surtout à travers ses tableaux que l'on connaît Henri IV, Marie de Médicis, mais aussi le jeune Louis XIII.
La carrière de l'artiste, actif en Flandres, en Italie, dans le Saint Empire, puis à la cour de France, donne un aperçu saisissant de l'Europe princière de son époque. Ce n'est pas le moindre des paradoxes du parcours de ce Flamand, typique produit du monde espagnol et autrichien, que d'être devenu le serviteur des rois de France.
C'est Marie de Médicis, régente du royaume après la mort d'Henri IV (1610), qui fit venir Pourbus à Paris, depuis l'une des villes les plus raffinées de la péninsule italienne : Mantoue. Pourbus se place ainsi à la jonction des réseaux habsbourgeois, médicéen et bourbon.
Cet ouvrage, le premier jamais consacré au peintre, présente l'ensemble de ses oeuvres aujourd'hui identifiées comme telles, dont plusieurs inédites : les très nombreuses illustrations mettent en regard les portraits peints par Pourbus et des oeuvres de ses contemporains (Rubens, Tintoret fils, Caravage...) comme des maîtres de la Renaissance.
Le livre se veut, autant qu'une somme sur le peintre, une introduction au portrait princier du premier XVIIe siècle.
L'auteur nous livre ici une synthèse sur un peintre dont l'art est traditionnellement considéré comme l'une des sources du classicisme français et de Nicolas Poussin, mais dont la carrière fut d'abord européenne.
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Justo Gallego, 92 ans, n'a pas de diplôme et n'est ni architecte ni maçon. Cependant, il y a plus de quarante ans, il a décidé de construire une cathédrale sur un terrain agricole pas loin de Madrid en signe de sa dévotion. Utilisant principalement des matériaux recyclés, il travaille à ce monument encore inachevé et qui depuis s'est transformé en lieu de méditation et de prière pour les habitants du coin. C'est en échange de son aide aux travaux que le photographe français Blaiser Perrin a réussi à contourner l'interdiction de photographier le lieu. Cet ouvrage nous délivre des images précieuses de Justo Gallego et de cette fascinante aventure spirituelle.

"Cinq cents films sinon rien", ainsi pourrait se résumer la riche carrière du maître italien de la musique de cinéma. Par-delà les cinquante années de cet étonnant parcours s'est profilée peu à peu l'une des plus fascinantes créations artistiques du monde contemporain. Souvent imitées, jamais égalées, les compositions du maestro se veulent surtout une formidable leçon d'art humaniste traversant les épreuves du temps avec brio.
Cet ouvrage constitue un panorama clair et précis de l'oeuvre du compositeur.

La question de la reproduction technique obsède la modernité. Mais, en vérité, elle relance une question plus ancienne, et mal aimée : celle de la répétition. Simuler, copier, doubler, redire. On doit encore affirmer l´intérêt de tels gestes, mais aussi leur diversité. Plus que jamais, on voit proliférer aujourd´hui non seulement les reprises et les réappropriations dans tout art et tout média, mais aussi les reformatages et les retransmissions, les relocalisations et les réexpositions. Les arts - à l´ère de leur médiatisation exponentielle - et les médias - à l´ère de la possibilité de création diffuse - semblent devenir un vaste chantier d´archivage et de partage, de transformations et de réactualisations. Approché sous différents angles, le « re- » peut ainsi révéler ses multiples facettes.
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L'album accompagne l'exposition «Rembrandt et la figure du Christ » dans le Hall Napoléon au musée du Louvre.
La mention d'un tableau représentant « une tête du Christ, d'après nature », dans l'inventaire des biens de Rembrandt établi au moment de sa banqueroute en 1656, est le point de départ d'une recherche qui a abouti à l'exposition présentée au musée du Louvre en 2011, puis au Philadelphia Museum of Art et au Detroit Institute of Arts en 2011 et 2012.
En rapprochant les différentes têtes du Christ peintes par Rembrandt, qui n'avaient jamais encore été montrées ensemble, on a tenté de découvrir les raisons qui avaient pu pousser Rembrandt et ses élèves à renouveler l'image traditionnelle du Christ.
Quelle pouvait être la fonction de ces tableaux? Simples exercices d'atelier ?Minutieuses études destinées à être reportées dans de grandes compositions religieuses ?
Toutes ces peintures paraissent graviter autour des Pèlerins d'Emmaüs, l'une des oeuvres phares des collections hollandaises du musée du Louvre et l'une des plus célèbres représentations du Christ se révélant à ses disciples après la Résurrection.
Un modèle vivant, un jeune homme issu de la communauté juive d'Amsterdam, a-t-il posé dans l'atelier de Rembrandt, prêtant ses traits à Jésus ? Derrière cette question, on devine les grands enjeux de l'art de Rembrandt : l'amour de la nature, l'émulation avec les grands artistes de la Renaissance - aussi bien italiens que germaniques -,la volonté de renouveler les images chrétiennes, la faculté de se déprendre des habitudes artistiques pour explorer des voies nouvelles. «Rembrandt et la figure du Christ » : une silhouette, un visage, une expression., mais aussi une grande personnalité artistique qui s'épanouit pleinement lorsqu'elle affronte un thème universel, peut-être le plus difficile qui soit - peindre le visage du Christ.
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L'école est le lieu privilégié où la sensorialité de chacun s'épanouit au contact de toutes les sensibilités individuelles et culturelles. C'est là que convergent tous les styles de musique pour donner lieu à une variété d'activités qui conduisent les enfants à sentir, comprendre, apprendre.
Au collège, l'éducation musicale, élément de formation générale, ouvre les portes du monde de la musique par l'écoute et le plaisir partagé d'une pratique collective. C'est pour répondre aux questions fondamentales posées par la pratique musicale collective que les Éditions Van de Velde ont confié à une équipe de pédagogues dirigée par Jean-Pierre Blaise le soin d'élaborer une gamme diversifiée d'outils pédagogiques (livres d'élèves, livres de professeur, comédies musicales, CD, etc.), propre à guider les professeurs dans leur tâche.
La collection Musicollège, conforme aux programmes officiels auxquels elle se réfère, contribue, par sa cohérence et son intérêt musical, à dispenser un enseignement efficace, sans cesse renouvelé. Avec une constante exigence de qualité et d'efficacité dans l'actualisation de cette collection, les Éditions Van de Velde garantissent aux enseignants des collèges des ouvrages répondant concrètement aux visées de l'enseignement de la musique au collège.
Chaque livret de la série, accompagné de son CD, contribue à la structuration de la leçon d'éducation musicale, en organisant la progression des acquisitions, dans l'unité du cours, ainsi que leur réinvestissement.
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La collection Leiden, la plus riche collection particulière de tableaux de l'école de Rembrandt au Siècle d'or hollandais, doit son nom à la ville de Leyde, lieu de naissance de Rembrandt. Ce catalogue est le premier à mettre en lumière plus de trente chefs-d'oeuvre de cette collection, exécutés par certains des plus grands artistes de l'art du xviie siècle. Il réunit en effet dix tableaux de Rembrandt lui-même, une magnifique ébauche à l'huile récemment attribuée au maître en personne, et de nombreuses peintures qui n'ont encore jamais été exposées en France. Les exemples abondent d'oeuvres des plus célèbres « peintres de la manière fine » de Leyde, Gerard Dou et Frans van Mieris, en plus de quelques chefs-d'oeuvre de Frans Hals, Jan Steen, Carel Fabritius et Jan Lievens. Parmi les oeuvres présentées et les récits qui les accompagnent, il convient de mentionner tout particulièrement un chef-d'oeuvre de Ferdinand Bol, l'un des plus grands élèves de Rembrandt, Éliézer et Rébecca au puits. Généreusement offert au nom de Thomas S. Kaplan et Daphne Recanati Kaplan, ce tableau est la première peinture hollandaise donnée au Louvre par des Américains.

The Leiden Collection, the most important private collection of Rembrandt School paintings from the Dutch Golden Age, is named after the city of Leiden, the birthplace of Rembrandt. This catalogue is the first to highlight more than thirty of The Leiden Collection's masterpieces executed by some of the greatest artists of the seventeenth-century. This survey comprises ten paintings by Rembrandt himself, one beautiful oil sketch recently attributed to the Master, as well as numerous paintings never before exhibited in France. Brilliant examples abound of the most famous Leiden « fine painters, » Gerrit Dou and Frans Van Mieris, in addition to masterworks by Frans Hals, Jan Steen, Carel Fabritius, and Jan Lievens. Outstanding among the images and stories is that of a masterpiece by Ferdinand Bol, one of Rembrandt's greatest pupils: Rebecca and Eliezer at the Well. This painting, generously donated by Thomas S. Kaplan and Daphne Recanati Kaplan, is the first gift by Americans of a Dutch painting to The Louvre.
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Vermeer, ou « le sphinx de Delft ». Cette expression, forgée au XIXe siècle, a figé la personnalité de Johannes Vermeer (1632-1675) dans une pose énigmatique et solitaire.
Cet ouvrage original permet au contraire de découvrir que ce génie universel s'inscrivait dans un riche réseau d'influences, très loin du splendide isolement avec lequel il fut longtemps associé.
La scène de genre élégante hollandaise connaît son âge d'or vers 1650-1680. Cette peinture, mise en scène luxueuse d'activités qui n'ont de quotidiennes que le nom, permet à la République des Provinces-Unies de s'affirmer face aux monarchies. Vermeer en est l'un des maîtres, aux côtés de Gerard Dou, Gerard ter Borch, Frans van Mieris, Gabriel Metsu, Pieter de Hooch... Ces peintres, actifs à Leyde, Deventer, Amsterdam ou Delft, ont eu connaissance du travail des uns et des autres. Leurs rapports alternent hommages, citations détournées, métamorphoses. Vues de la sorte, les sublimations de Vermeer prennent un sens nouveau : celui de ses rejets et de ses admirations.
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Grâce à cette édition de La Description de Callistrate de quelques statues...
Est comblé ce vide étonnant d'ouvrages français sur la sculpture durant une de ses plus riches périodes. Ainsi, donnée dans son intégralité pour la première fois depuis le XVIIe siècle, l'oeuvre tour à tour technique, mythologique, esthétique ou philologique témoigne de cette richesse des savoirs à la Renaissance et de leur imbrication. Lors de ces arabesques érudites, on croisera les sculpteurs Michel-Ange, Germain filon ou Jean Goujon aussi bien que Praxitèle, Lysippe ou Scopas, de célèbres figures, Médée ou Narcisse, Athamas ou Bellérophon, ou encore quelques sorciers du Berry.
L'édition, la préface, les notes sont d'Aline Magnien, conservateur en chef au Musée Rodin, en collaboration avec Michel Magnien, professeur de littérature française de la Renaissance à Paris III.
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Architecture, peinture, céramique, collage, tous les moyens plastiques intéressent Georges Adilon (1928-2009) et, avec eux, les matières qui lui servent de support d'expression : béton, verre, acier inoxydable, papier, carton, polystyrène. Au début des années 1960, alors que l'artiste multiplie les expériences picturales, devenir architecte s'impose comme une évidence à l'issue d'une réflexion menée à propos de sa propre maison. Pendant plus d'une vingtaine d'années, au cours desquelles une trentaine de projets verront le jour - principalement dans la région lyonnaise -, le peintre-architecte va s'employer à matérialiser les spéculations de son imaginaire dans un renouvellement plastique permanent. Loin de constituer un champ d'expression isolé dans son travail, les maisons de l'artiste entretiennent un dialogue fécond avec son oeuvre graphique et peint comme avec ses nombreux travaux réalisés pour les maristes à Fourvière et à La Verpillière, dans un jeu de correspondances formelles et poétiques.
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Le « Premier Livre simultané », dont voici le fac-similé, est l'histoire d'un adolescent qui se hisse à bord d'un poème illuminé par les sept couleurs de l'arc-en-ciel, en partance pour le multiple voyage de sa mémoire vers l'âge d'homme.
On monte avec lui dans son transsibérien pour suivre son devenir à travers les tourments terrestres et les interrogations de l'âme. Blaise Cendrars adresse cette invitation à chaque lecteur: À toi, « ...ce livre qui tient à tout mon être ». L'Introduction de Miriam Cendrars évoque la réception mouvementée de l'oeuvre originale, témoin d'un turbulent renouveau des arts. Après la vision « simultanée » des paroles de Cendrars dans leur particulière typographie, alliées aux couleurs qu'elles inspirent à Sonia Delaunay (1913), on lira la version de 1919, également reproduite ici, qui, « dédiée aux musiciens », appelle à tendre l'oreille aux sonorités, aux cadences et aux vibrations de la voix intérieure du poète.
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