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Prix
Art vidéo
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Diffusé à la télévision dans les années 80, le feuilleton japonais le plus célèbre chez nous fête ses 35 ans ! L'occasion rêvée de retrouver dans cet ouvrage des archives inédites à propos des trois oeuvres cultes Bioman, Maskman et Liveman.
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Havres de peur : lieux d'horreur en jeu vidéo
Guillaume Baychelier
- Rouge Profond
- Decors
- 10 Novembre 2022
- 9791097309572
L'horreur en jeu vidéo est d'abord une question de lieux, pensés comme des organismes voraces. Les espaces y sont modelés dans une matière viscérale oscillant entre un noir abyssal et un rouge rappelant la chair crue - celle des monstres qui les habitent. La maison - simple chaumière, manoir ou même château - est l'espace séminal de l'horreur vidéoludique. Dès que les moyens technologiques l'ont permis, un élargissement s'est opéré, du village à la ville, jusqu'aux vastes contrées. C'est cette faculté du jeu vidéo à se déployer en enchaînant les dispositifs voués à l'angoisse propre aux lieux d'horreur que cet ouvrage observe, puisant ses illustrations dans de nombreuses franchises vidéoludiques, entre autres Resident Evil, Alone in the Dark, The Evil Within, Silent Hill, BioShock...
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Spectacle-performance polymorphe mis en scène et écrit par William Kentridge, The Head & the Load explore le rôle de l'Afrique durant la Première Guerre mondiale.
Cette histoire, encore peu étudiée, est déroulée au fil de tableaux scéniques mêlant musique, danse, jeu d'acteur, projections et sculptures mécanisées. Sur un livret polyglotte (anglais, allemand, français et langues vernaculaires africaines) se déploient tous les méandres de ce conflit et l'importance cruciale qu'eurent tous les porteurs africains utilisés par les Britanniques, les Français et les Allemands. Allusion au proverbe ghanéen disant « la tête et la charge sont les ennuis du cou », cette performance théâtrale met en exergue une histoire aux lourdes répercussions politiques, humaines et sociologiques et s'inscrit pleinement dans la démarche plastique de l'artiste dont les oeuvres sont des catalyseurs politiques. Accompagné d'une distribution internationale de chanteurs, d'acteurs et de danseurs, ainsi que de son complice, le compositeur Philip Miller, William Kentridge développe avec force couleurs, projections vidéos, dessins et mots une oeuvre protéiforme. Une longue et imposante procession d'acteurs et danseurs déroule le récit de ces porteurs africains qui assurèrent le succès des vainqueurs mais restèrent dans l'ombre. L'histoire coloniale et ses répercussions dans le monde actuel sont ici reconsidérées par Kentridge. Présentée à l'été 2018 à la Tate Modern, à Londres, et à l'automne dernier à New York, The Head & the Load fera l'objet de plusieurs représentations en 2020 au Grand Palais, à Paris.
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On the role of performance and audience in Nam June Paik's trailblazing media art.
This publication focuses on a feature of media artist Nam June Paik's (1932-2006) oeuvre that has been largely overlooked: the live dimension of his work, a consistent element running through his artistic career. The experience of the audience and their active involvement were crucial components in Paik's work. Starting with his early career as a composer, one focus of the book is on the way Paik approaches music as a score, a concept and an event. His artistic ideas and methods are presented with reference to key series of works?including his performances, his participatory pieces, his interest in live television and his multimedia works. This richly illustrated chronicle of his performances gives a vivid portrait of these live encounters. Specially designed pages created by the artists Annika Kahrs, Autumn Knight, Aki Onda and Samson Young underscore the relevance of Paik's work today. -
Depuis son immigration au Québec en 1999, l'artiste d'origine bulgare Theodore Ushev s'est affirmé à travers le monde par ses films d'animation puissants et poétiques, au style éminemment personnel. Au carrefour de divers médias, la peinture, le collage, la photographie, le cinéma en prises de vues réelles, le cinéma d'animation et l'art contemporain, l'oeuvre de Theodore Ushev est polymorphe et se nourrit d'influences multiples. L'artiste se les approprie et les transforme pour réaliser une oeuvre personnelle, atypique dans le paysage de l'animation. Qu'elles soient plastiques, musicales ou littéraires, les influences multiples de l'artiste nourrissent toujours une oeuvre complexe au service d'un discours radicalement politique et humain. Ce volume présente de façon exhaustive une démarche et une oeuvre à la puissance émotionnelle rare.
Theodore Ushev jouit d'une reconnaissance internationale et ses films sont régulièrement sélectionnés et récompensés dans les festivals et les prix les plus prestigieux (Oscars, Canadian Screen Award, Prix Iris, Annecy, Hiroshima, Ottawa, Zagreb, Montréal).
Le travail de Theodore Ushev combine d'une façon rare et singulière art figuratif et non figuratif et met en mouvement des images hétéroclites, allant de la peinture abstraite russe des années 1920 à de la peinture expressionniste allemande. L'artiste emprunte des formes du passé ou des techniques anciennes qu'il se réapproprie en les réinventant, comme l'encaustique à la cire chaude dans son chef d'oeuvre Physique de la tristesse (2019).
Cet hommage à un artiste fascinant, connu du public français par ses interventions récentes dans la capitale (récente Master class à l'École des Beaux-arts) et par sa présence assidue dans les festivals francophones, intéressera les amateurs aussi bien de cinéma que d'arts plastiques ou de littérature. -
Signals : the politics of video
Michelle Kuo, Stuart Comer
- Museum Of Modern Art
- 23 Février 2023
- 9781633451230
Devenue largement accessible au grand public dans les années 1960, la vidéo est omniprésente aujourd'hui - sur nos téléphones et nos écrans, définissant de nouveaux espaces et expériences, façonnant nos idées et notre politique, et répandant la désinformation autant que la documentation. Signals: The Politics of Video retrace la manière dont les artistes ont à la fois défendu et remis en question ce genre, révélant une histoire planétaire, critique et activiste depuis ses débuts. Accompagnant une exposition au MoMa en 2021, ce catalogue comprend un essai introductif des conservateurs et six textes thématiques DE chercheurs et artistes qui explorent l'éventail des engagements artistiques liés à la vidéo, aux médias et à la sphère publique.
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Notre culture est celle de l'image, et surtout celle de l'image animée. Les vidéos s'affichent avec profusion sur tous nos écrans, nous filmons sans cesse, que ce soit avec nos téléphones, actioncams, appareils photo ou caméras. Et même si certains plans isolés peuvent présenter un intérêt, la plupart n'en auront que s'ils sont assemblés pour raconter une histoire, créer un film. Le montage est donc essentiel.
Que vous soyez vidéaste amateur, monteur habitué à un autre logiciel ou photographe se mettant à la vidéo, cet ouvrage profondément remanié et actualisé à l'occasion de cette nouvelle édition est là pour vous accompagner dans l'excitante aventure du montage virtuel avec Premiere Pro. Son ambition n'est pas de dresser un inventaire exhaustif de toutes les fonctionnalités du logiciel, mais de vous guider pas à pas dans la création d'un premier film tout en vous donnant les clés pour que vous puissiez ensuite aller plus loin en toute autonomie, et réaliser avec plaisir des vidéos de tous types, au rendu professionnel.
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Entendre l'image
Cécile Jubier-Galinier, Claire Bardelmann
- PU de Perpignan
- Images In Situ
- 14 Février 2024
- 9782354124823
Comment figurer des sons ou à l'inverse entendre une image, au cinéma comme dans les images fixes ? Une dizaine de spécialistes de domaines variés explorent la façon dont les artistes, de l'Antiquité à nos jours, ou les journalistes font dialoguer les images et les sons et analysent les conditions de réception de ces oeuvres auprès du spectateur.
Ce 3e volume de la collection « Images in situ » fait suite au colloque de Perpignan tenu en septembre 2021 pendant le festival Visa pour l'image. L'ouvrage invite à réfléchir sur les liens existants entre l'image et le son dans toute leur diversité (musiques, paroles, bruits). Comment figurer un son ou à l'inverse faire « entendre une image » ? Le cinéma, la série télévisée, le reportage vidéo et la création contemporaine, alliant musiques et images, ont toute leur place ici, mais qu'en est-il pour les images fixes : peintures, dessins, photos ? Développant une approche résolument diachronique et interdisciplinaire, les auteurs n'ont pas confronté images et sons mais au contraire exploré sur le temps long la façon dont les propositions artistiques ou journalistiques les entrelacent. Une typologie se dégage, avec en premier lieu les images dites « muettes » qui évoquent les sons en impliquant les compétences et l'expérience de celui qui regarde ; suivent les cas de translation de l'image vers le son en art comme dans le journalisme ; et enfin les films parlants où le son et la musique ne se contentent pas de compléter l'image mais entrent en résonance avec elle pour mieux captiver le spectateur. -
Francis Alÿs : as long as I'm walking
Judith Rodenbeck, Julia Bryan-wilson, Luis Perez-oramas, Nicole Schweizer
- Jrp / Ringier
- 17 Novembre 2021
- 9783037645796
Publiée à l'occasion de l'exposition majeure de Francis Alÿs au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en 2021, cette monographie s'articule autour de quelques motifs essentiels qui caractérisent la pratique de l'artiste d'origine belge basé au Mexique : sa pratique vidéo révolutionnaire depuis trente ans ; l'importance de la déambulation et de la marche pour sa méthode artistique ; son intérêt pour les jeux d'enfants qu'il filme dans différents pays depuis 1999. De la déambulation urbaine à l'exploration des territoires et de leurs frontières documentée par des images en mouvement, le travail d'Alÿs propose une poétique de l'espace à travers des récits brefs dont la finesse et la justesse expliquent sa renommée. Si son travail interroge le lien entre acte artistique et intervention politique, l'artiste travaille toujours par allusions, avec une précision et une économie de moyens remarquables, préférant la polysémie poétique au commentaire politique frontal, privilégiant la fusion d'espaces imaginaires planifiés avec ses propres espaces fictionnels. La publication documente également Reel-Unreel, l'un des projets majeurs d'Alÿs réalisé en Afghanistan, comprenant des jeux pour enfants et des boucles d'animation dessinées à la main ainsi que des peintures et des oeuvres graphiques.
Abondamment illustré, édité et introduit par la commissaire du MCBA Lausanne Nicole Schweizer, le livre comprend des essais détaillés de Julia Bryan-Wilson, professeur d'histoire de l'art, Université de Californie, Berkeley, Luis Pérez-Oramas, commissaire indépendant et écrivain, New York, et Judith Rodenbeck, professeur associé, Département des médias et des études culturelles, Université de Californie Riverside.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, en 2021-2022. -
Filmer en bords de mer ; le littoral du Languedoc et du Roussillon ; 40 extraits de films amateurs
Collectif
- Trabucaire
- 1 Décembre 2015
- 9782849742273
Que faire de ses vieilles bobines qui traînent au grenier ? Qui ne s'est pas interrogé sur le devenir de ses films de famille qui avec l'obsolescence des matériels devenaient difficiles à voir. Partant de ce constat, il y a quelques années, l'Institut Jean Vigo, relayait l'appel à collecte de la Fédération Internationale des Archives de Films (FIAF) sous le leitmotiv « Ne jetez pas vos films ! », véritable plan de sauvegarde des archives privées. Les films amateurs, les films d'entreprises, les films publicitaires ou encore institutionnels ont trouvé une seconde jeunesse au sein de la cinémathèque. L'objet de ce livre/DVD est donc d'offrir au public un ensemble raisonné de films autour d'un objet patrimonial décrit par les films déposés à l'Institut Jean Vigo. Notre choix s'est porté pour ce premier ouvrage, que l'on espère suivi d'autres, sur le patrimoine maritime. Le DVD s'organise en cinq thèmes : De Port-Camargue à Cerbère ; Histoire de pêcheurs ; Bateaux petits et grands ; Bords de mer et canetons ; Le littoral, rêves d'architectes. L'identité littorale du golfe du Lion y est longuement révélée. La musique originale est signée Virgile Goller.
Le livre quant à lui offre une contextualisation des images. Les auteurs venant d'horizons différents, spécialistes et passionnés, nous donnent à travers leurs contributions des pistes de lecture. Les diverses activités littorales : pêche, navigation, tourisme y sont présentées dans leur évolution depuis leur aspect traditionnel jusqu'au triomphe de la modernité. À propos de la collection «Mémoire filmique du sud» L'Institut Jean Vigo et la Cinémathèque de Toulouse ont lancé le projet « Mémoire filmique du Sud » en 2012. Ce projet consiste en la collecte de films et en leur numérisation afin de les mettre en ligne sur un site internet commun. Les films deviennent ainsi accessibles à un large public, aux chercheurs et aux professionnels de l'histoire et/ou de l'image. Les films collectés sont des documents de patrimoine portant un intérêt régional. Composé de films amateurs, institutionnels et d'entreprises, ce corpus de films est une source précieuse pour l'histoire des deux régions.
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Goldorak : l'aventure continue
Sarah Hatchuel, Marie Pruvost-Delaspre
- Pu Francois Rabelais
- Serial
- 6 Septembre 2018
- 9782869066687
Diffusé pour la première fois en France dans l'émission Récré A2 en juillet 1978, Goldorak, dessin animé japonais réalisé par le studio Tôei Animation et adapté du manga de Gô Nagai UFO Robo Grendizer (1975-1976), raconte le combat d'Actarus contre les forces de Véga commandées par le Grand Stratéguerre. En France, le dessin animé est un succès immédiat. Il marque toute une génération d'enfants, fait la Une de Paris Match en janvier 1979 et suscite colère et désespoir chez les adultes qui le relèguent au rang de "japoniaiserie" et l'accusent d'influences délétères sur les jeunes téléspectateurs.
Or, quarante ans après sa première diffusion, Goldorak est toujours là, sans cesse réapproprié et "métamorphosé" pour être transmis à une nouvelle génération de spectateurs. Il est temps de porter un nouveau regard sur cette fiction sérielle. Au-delà des informations factuelles et techniques que l'on peut trouver sur Internet, cet ouvrage se propose de penser avec Goldorak, de mettre en lumière les complexités culturelles du dessin animé et de proposer des analyses et interprétations originales, à travers le prisme de l'histoire, la civilisation japonaise, la littérature, le théâtre, le cinéma, la musique ou l'étude des médias. Il s'agit de prendre Goldorak au sérieux.
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Première monographie d'une étoile montante dans le monde de la photographie et du cinéma de mode, ce volume éblouissant est rempli d'images aux couleurs luxuriantes qui capturent l'oeil de Moïse pour la beauté et le talent de conteur. Gabriel Moses n'avait que dix-huit ans lorsqu'il a reçu sa première commande de Nike. Depuis lors, le photographe nigérian britannique autodidacte a été très sollicité, avec des clients allant de Louis Vuitton et Burberry à Chanel et Vogue, et des stars telles que Pharrell Williams, AAP Rocky et Skepta. De magnifiques reproductions pleine page capturent l'atmosphère unique de Moses, marquée par des couleurs profondes et des textures riches, ainsi que sa facilité surprenante avec son sujet, que ce soit la musique, la mode ou le sport. Une série d'essais comprend une préface de Moses, qui aborde sa propre idéologie et pratique; l'exploration perspicace de Federico Sargentone de l'oeuvre de Moses; les contributions et les récits personnels de Matthew Williams, Ciesay, Clint, Samuel Ross et Slawn, entre autres; et une série dedes conversations, l'une avec Skepta discutant de la totalité de la vie, et la seconde avec Nick Knight explorant les profondeurs de la photographie. Abordant tous les aspects de son travail à ce jour, y compris un certain nombre d'images inédites, cette monographie étonnante et contemporaine, conçue par Hassan Rahim, plonge profondément dans le langage visuel de Moses et souligne son lien profond avec la famille, et la culture qui l'entoure ; sous la direction de Katja Horvat, entretien avec Sekpta et Nick Knight, texte de Federico Sargentone, impressions de Mumsy, Clint, Slawn, Katja Horvat, Ari Chanoux, Samuel Ross, Ciesay et Matthew Williams, photos en couleurs.
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The curator who founded MoMA's video program recounts the artists and events that defined the medium's first 50 years.
Since the introduction of portable consumer electronics nearly a half century ago, artists throughout the world have adapted their latest technologies to art-making. In this book, curator Barbara London traces the history of video art as it transformed into the broader field of media art - from analog to digital, small TV monitors to wall-scale projections, and clunky hardware to user-friendly software. In doing so, she reveals how video evolved from fringe status to be seen as one of the foremost art forms of today.
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Wolfgang Stoerchle : success in failure
Alice Dusapin, James Welling
- Christophe Daviet-Thery
- 9 Décembre 2021
- 9782490844036
Wolfgang Stoerchle est une figure artistique particulièrement marquante du début des années 1970 qui a laissé une empreinte certaine mais discrète sur une génération d'artistes californiens, notamment grâce à la production de vidéos et de performances impliquant son corps comme matière première. L'histoire de sa vie, aussi brève que mouvementée, est chargée de rumeurs, et sa mort brutale en 1976 a probablement accentué davantage le mythe qui l'entoure. L'ensemble de son oeuvre a été réalisé en onze ans, entre 1965 et 1976. Quarante-cinq ans après sa mort, son nom est toujours murmuré dans le monde de l'art de la côte ouest américain, dans l'attente d'une plus large reconnaissance.Wolfgang Stoerchle : Success in Failure est la première monographie sur le travail de l'artiste, écrite par Alice Dusapin qui a consacré des recherches approfondies sur sa vie et son oeuvre et organisé plusieurs expositions internationales depuis 2017 (Ampersand, Lisbonne : Galerie Overduin & Co, Los Angeles : Galerie Air de Paris ; Macro, Rome).L'ouvrage comprend une série d'entretiens inédits avec Daniel Lentz, Paul McCarthy, Matt Mullican, David Salle, Helene Winer, un texte de James Welling, et documente l'intégralité des vidéos, performances, sculptures, peintures et installations sonores de Stoerchle connus à ce jour.
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Urban Arts Magazine n°25 : Événement, Sonic à Paris ! - Août-Septembre 2023
Collectf
- Urban Arts Magazine
- 1 Août 2023
- 3663322126369
Événement, Sonic à Paris : Rencontrez une icône du graffiti New-Yorkais !lt;br /gt;lt;br /gt; A Gagner : 3 oeuvres originales peintes par l'artiste sur d'authentiques plans du métro new-yorkaislt;br /gt;lt;br /gt; Tout l'agenda de la rentrée lt;br /gt;lt;br /gt; Interviewslt;br /gt; - MILLO et ses mises en perspectives décalées. lt;br /gt; - INTI, « Inca » vraiment à part !lt;br /gt;lt;br /gt; Rencontreslt;br /gt; - Les chemins de vie d'ENSEMBLE RÉEL. lt;br /gt; - Avec MOSKO, les animaux font le mur !lt;br /gt;lt;br /gt; Dossierlt;br /gt; Dans les Arcanes de l'Art Urbainlt;br /gt; La mission d'Arcane ? Préserver la mémoire des fresques présentes dans l'espace public.lt;br /gt;lt;br /gt; Les M.U.R.s envahissent la France !lt;br /gt; Alors que le 53ème M.U.R. vient d'ouvrir à Bastia, retour sur une exception culturelle française.lt;br /gt;lt;br /gt;lt;br /gt; URBAN ARTS s'est donné comme mission de répondre à l'intérêt croissant des amateurs et collectionneurs d'Art Urbain, en dressant un portrait pointu de la création contemporaine à l'échelle internationale.
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Urban Arts Magazine n°27 : Les murs agitent la ville - Janvier - Février- Mars 2024
Collectif
- Urban Arts Magazine
- 9 Janvier 2024
- 3663322126499
Dans ce numérolt;br /gt; - De Nice à Houston, les murs agitent la villelt;br /gt; - Interviews de Fintan Magee, Otto Schade, Motte, Ruse, Rino, Furious Five, Martin Peronard...lt;br /gt; - Art Five invente la galerie du XXIe sièclelt;br /gt; - Les 10 ans du Lavo//matiklt;br /gt; - Les artistes replongent dans la piscine Molitorlt;br /gt;lt;br /gt; Lagenda des événements et expositions
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This is the end : finir une série TC
Vladimir Lifschutz
- Pu Francois Rabelais
- Serial
- 1 Février 2018
- 9782869066533
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Le cri du projectionniste le soir au-dessus des gens
Dominique Terrier
- Atramenta
- 12 Mars 2022
- 9789523901209
Le cinéma est un rendez-vous amoureux, un lieu de culte, une fête, un petit bonheur, une sortie loin de chez soi, un moment de réflexion, une crise de rire, une montée d'adrénaline, une magnifique cascade de sanglots. Le cinéma c'est le rêve, c'est la vie plus grande que nature, avec des couleurs plus vives, des sentiments plus forts, des mots plus ciselés.
Passionné par le septième art depuis sa plus tendre enfance, Dominique Terrier vous propose cent-dix-sept chroniques où critiques de films et souvenirs cinématographiques se mélangent harmonieusement pour sublimer son amour du cinéma. -
Mark Lewis est un artiste canadien contemporain internationalement reconnu. Il travaille à la frontière de l'art contemporain et du cinéma. Après avoir « mis en pièce » les conventions du langage filmique et exploré ses composantes pour leur propre compte, Mark Lewis a développé son propre langage cinématographique, combinant les dispositifs les plus anciens du médium (plan unique) aux stratégies de l'art contemporain (minimalisme, conceptualisme).
Mark Lewis est actuellement au premier plan de la scène artistique française à travers deux évènements importants:
Depuis octobre dernier, Le Louvre accueille l'exposition « Invention au Louvre » jusqu'en août 2015. L'artiste expose également ses oeuvres, du mois de février au mois de mai, au BAL à Paris sous le titre de « Mark Lewis. Above and Below ».
- Les essais de Christine Ross, Elie During et Sylvain Portmann réunis dans le volume s'inscrivent respectivement dans les domaines de l'histoire de l'art, de la philosophie et de l'histoire du cinéma. Les trois auteurs s'intéressent au mouvement autonome de la caméra comme stratégie de construction sensorielle, mais ils le font sur la base de références distinctes et dans des buts différents.
- Un entretien du cinéaste est proposé : il a été demandé à Mark Lewis de décrire sa relation à l'histoire du cinéma et à l'art contemporain, en d'autres termes de se positionner au sein du champ de la création.
- Ce volume contient également un carnet d'images sélectionnées par l'artiste, conçue comme une illustration de son travail.
Mark Lewis a choisi un film par année, de 1995, date de son film séminal Two Impossible Films, à 2014 ; il reproduit les plans de début et de fin de chaque film.
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Depuis 1993, Victor Burgin réalise des projections en images vidéo ou numériques. Ces oeuvres, comme toutes celles qu'il a élaborées depuis le début des années 1970, incluent une forte composante textuelle que ce livre propose d'apprécier indépendamment des images. Ici, publiés hors de leur contexte habituel, les scripts offrent au lecteur un autre type de projection, fantasmatique.
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Le catalogue du festival de cinéma éponyme initié par le cinéaste Raya Martin et le critique Antoine Thirion, inspiré de la part maudite de l'histoire du cinéma (films perdus, censurés, détruits avec ou sans intention) et de l'histoire des peuples (répressions, déplacements, émancipations, disparitions subies ou volontaires).
Inspiré des travaux de l'archiviste Paolo Cherchi Usai et de l'anthropologue James C. Scott, UNdocumenta revisite l'histoire et le cinéma à travers le point aveugle d'une documentation radicalement proscrite. Si l'histoire est généralement racontée par ceux qui ont su laisser le plus de traces de leur existence, elle peut aussi se développer à travers une attention portée non seulement à ceux dont on a présenté une image déformée, mais aussi à ceux qui se sont assurés de ne rien laisser derrière eux, en détruisant ou en effaçant toutes leurs traces.
UNdocumenta prend pour fondement l'oralité, la performance et l'expérience collective, trois éléments qui tendent à libérer le cinéma de ses fins industrielles et spectaculaires.
Contributions de Mathieu Abonnenc, Enrico Camporesi, Chan Ho-lun Fredie & Cheung Tit Leung, Violet Cho, Eric Choi, Gallien Déjean, Bertrand Dezoteux, Matthew Flanagan, Chang-Huei Ge, Aaron Hillis, Craig Keller, Manon Lutanie, Benoît Maire, Raya Martin, Huang Mei, Pascaline Morincôme, Maxime Primault, Rachael Rakes, Clément Rodzielski, Olga Rozenblum, Lou Rozès, Anne-Françoise Schmid, James C. Scott, Roman Seban, Park Taekyu, Antoine Thirion, Jessey Tsang Tsui-Shan, Rachel Valinsky, Rikun Zhu.
Publié suite au festival éponyme à l'Asia Culture Center-Theater, Gwangju, du 29 avril au 1er mai 2016 (redshoes.fr/undocumenta).
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Les défis numériques du cinéma francais
Pauline Escande-gauquié
- Atlande Editions
- Coup De Gueule Et Engagement
- 13 Juillet 2021
- 9782350306629
La France a su créer un écosystème unique au monde en ma4ère de cinéma, permetiant une produc4on abondante et souvent de qualité. À tel point que de nombreux acteurs étrangers cherchent à béné?cier de ce système : le cinéma français est ainsi le plus interna4onal au monde, celui qui compte la plus grande proportion de coopérations internationales. Cannes reste d'ailleurs le passage obligé aussi bien pour les ?lms d'auteur américains que pour les productions de pays tiers (autres que français ou américains). La martingale que la France semblait avoir trouvée avec un public nombreux en salle, des modes de ?nancement inventifs et une chronologie des médias réglée comme du papier à musique s'est grippée avec l'arrivée en force des GAFAN mais aussi avec la décon?ture de Canal+ et les changements d'habitudes de consommation culturelle. L'auteur analyse les dé?s posés au cinéma français dans une approche originale de participation observante : elle décrit un milieu, sa vie et ses habitudes, de l'intérieur, en tant que scénariste, actrice mais aussi épouse de producteur, tout en gardant son regard de sociologue. Loin d'un discours docte, elle nous promène d'interviews en rencontres dans les coulisses d'une industrie en proie au doute. Dévoilant les rouages d'un tournage précis, Pauline Gauquié n'en délaisse pas moins les négociations interna4onales en cours qui, du bras de fer franco-américain sur le sujet aux atermoiements de l'Europe et aux discussions au sein de l'OCDE, conditionneront l'avenir du secteur également très fragilisé par le covid.
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Les médias africains à l'heure de la rupture : Vers un grand rétablissement
Guila Thiam
- L'Harmattan
- 25 Avril 2022
- 9782140257858
L'Afrique suscite davantage d'intérêt et les médias d'ailleurs cherchent inlassablement l'attention de ses populations. Toutefois, sa voix et ses souhaits comptent pour peu dans la gouvernance mondiale et dans les médias dominants. Les plans de rattrapage socioéconomique qui lui sont appliqués, des translations au diagnostic réel, ont des résultats insatisfaisants. Le continent doit de se transformer. Le moment où le monde, secoué par une pandémie, se réajuste est propice pour inciter à l'action en s'essayant à une théorie du grand rétablissement, par-delà celle inspirante de la Renaissance africaine aux racines lointaines rappelées. À cette fin, un lien fort est fait entre le succès d'un espace africain de rupture et un rôle incontournable de ses médias, mieux imprégnés de son imaginaire, de ses valeurs, sortis revigorés des crises du digital et qui arriveront à subsister dans le nouveau paysage, contribuant ainsi à changer réellement l'Afrique, et donc le monde, en mieux.
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Né d'une pratique interdisciplinaire qui met l'accent sur la dimension discursive de la culture afro-américaine, le travail de Steffani Jemison force les limites du langage. Dans la vidéo qu'elle a réalisée à l'occasion de la programmation Satellite, intitulée Sensus Plenior - l'équivalent latin de notre « sens profond » -, elle exprime son intérêt pour le langage et le geste à travers le gospel mime. Depuis vingt-cinq ans, on a vu se développer, au sein de l'église afro-américaine, cette pratique consistant à recourir au mime pour interpréter des chants gospel. La vidéo s'ouvre sur la figure du pasteur Susan Webb, chef de file du Master Mime Ministry of Harlem, qui nous est montrée en pleine contemplation lors d'une séance de répétition. Privilégiant exclusivement le caractère silencieux de la performance, le film de Jemison témoigne de son intérêt pour ce qui ne passe pas par les mots, pour le silence qui forme le creuset de l'action, de l'affirmation de soi et de la résistance.
Reflet de l'intérêt de Steffani Jemison pour le cinéma muet, Sensus Plenior interroge l'influence du mime sur les conventions régissant la mise en scène de soi et les limites du discours au tournant du XXe siècle. L'artiste brouille les frontières entre performance et cinéma, offrant au public un moment de suspens hors des constructions du temps linéaire et des significations reçues. Refusant l'épaisseur psychologique des personnages du cinéma moderne, les interprètes du gospel mime se réservent toute liberté de se comporter de façon imprévisible : ils mettent ainsi l'accent sur ce qui, dans le quotidien des Noirs, distingue la vie privée de la vie publique.
Accompagnant l'exposition de Steffani Jemison au Jeu de Paume et au CAPC, le présent livre comprend un texte introductif du commissaire, Osei Bonsu, ainsi qu'une conversation de l'artiste avec l'écrivaine Sharifa Rhodes-Pitts autour de leur expérience du gospel mime. Cette publication reproduit également une note de Jemison ainsi que des dessins inédits de l'artiste déployant un répertoire de gestes développés par Susan Webb.